把畫畫當成“生活必需品”的譚平說，他的作品時刻都處于未完成和重新開始的狀態，無論畫面看起來多么完美，都存在被“覆蓋”的可能。

　　“覆蓋一幅并不完滿的畫，通常都不會太在意，若是要覆蓋一幅幾近完美的畫作，內心就會有糾結不舍和難以名狀的痛，但覆蓋過去如同否定自我，需要勇氣。”出身于西方學院體系的抽象藝術家譚平，坦承在不斷自我顛覆中追求自由表達的心境。

　　在北京金格空間正在舉辦的個人畫展上，譚平首次用影像向觀眾披露了自己覆蓋式繪畫的過程。人們意識到，他覆蓋的太多了，有時候甚至是十張畫當一張畫畫，一層層的覆蓋，而每次覆蓋又保留前次繪畫的痕跡。

　　中華藝術宮副館長李磊在這些作品中看到了“生命感”和“敘事性”。他說，“很多人覺得抽象藝術沒有敘事性，有敘事性就不叫抽象了，但我就是從譚平的作品里讀到了敘事性，這種敘事性是一種生命遞進的關系，它不涉及某個具體的敘事，而是一種情緒和感情的不斷積累、不斷消解，再積累、再消解，像一首悲劇性的史詩。”

　　為籌辦這場題為“畫畫”的展覽，現任中國藝術研究院副院長譚平梳理了自己從13歲開始拜師學藝起創作的所有作品，從中挑選了40幅，與讀者分享他藝術創作從“畫它”、“畫我”、“我畫”到“畫畫”的四個階段。

　　在藝術評論家眼里，譚平是中國當代最具影響力的藝術家之一。他畢業于中央美院，又在柏林藝術大學留學五年，歸國后擔任中央美院副院長，既是學院派畫家的代表，又始終處在不斷自我顛覆的藝術實踐前沿。

　　在譚平的藝術創作中，很多人讀到了勇氣和堅持。

　　中央美術學院教授易英透露，在央美擔任副院長期間，譚平總是設法在繁重的教學和管理工作中擠出時間留給畫畫，比如利用會議的間隙驅車趕往燕郊的工作室，在限定的時間內“涂抹畫布”，然后準時返回校園轉入教學管理的角色。

　　譚平坦言，因為對教學的不舍所以就只能在痛苦和糾結中選擇做一名心平氣和的“業余畫家”。為了趕時間，譚平每次到工作室做的第一件事就是像油漆匠一樣用十多分鐘把一個2乘3米的大畫布涂抹一遍。

　　譚平說，與自己早期的創作不同，現在的這種涂繪需要在限定時間內完成，因此他不太求結果，更在乎如何在有限的時間里去感受畫畫的快樂，在沉靜中去尋回曾經的初心。也正是對“業余時間”的有效運用，譚平形成了他自己的創作方法。

　　易英認為，通過不停的“覆蓋”，譚平把創作中的多次可能性重疊起來，為讀者呈現內涵豐富的復合效果。也因為這方式，譚平的東西越畫越大，但畫大畫是一種能力，譚平用他的畫筆展現了自己的控制力。

　　在與譚平籌備這個畫展時，策展人李旭提出了一個想法，再過多少年，如果有人用X光來透視這些作品，也許會發現它蘊藏的很多東西。

　　另一位策展人彭鋒在欣賞完譚平的覆蓋式創作后認為，譚平是通過一次一次的覆蓋來消解在繪畫過程中過于強烈的主體空間，通過不斷覆蓋和自我顛覆來試圖讓作品本身說話，可以說是“讓畫自己來畫”。

　　譚平身上的另一種決絕體現在他對抽象藝術的頑強堅持。

　　長期關注譚平的藝術家尚揚在個展開幕式研討會上感慨說，抽象繪畫發展了一百年，從德國、奧地利一直到整個世界，抽象這條路不是太好走，中國的抽象藝術家要走出一條自己的路，非常難得。

　　抽象藝術在中國最有活力的時候是80年代。等到90年代譚平回國做抽象藝術的時候，抽象藝術已經相對陷入低潮，這些年雖然時有復興，但規模都不大。

　　易英說：“我們能感覺得到，譚平認為繪畫中抽象是最好的藝術，是藝術中的藝術，他要努力實現他的目標，他也不會重復別人，他要不斷自我顛覆。”

　　當代中國藝術評論家，西方美術史研究學者王端廷認為，赴西方留學使譚平成為中國畫壇為數不多真正掌握了抽象繪畫奧秘、具有清晰演變脈絡的抽象畫家，他的抽象繪畫還孕育著一種深沉的東方哲思。

　　回首自己在德國留學的時光，譚平說他面對的并不僅僅是學院的藝術課程和博物館大師的作品。真正對他產生影響的是學習與生活的方方面面，包括與自己打交道的人、社會環境、看問題的多元視角、價值觀、生活觀乃至世界觀。

　　“我開始真正理解這些大藝術家及其作品產生的淵源。靜，能令人思考，遠離中國，可以自覺地開始內醒。我是誰?從哪里來?要到哪里去?思考的過程與表達的需要，開始對抽象繪畫的研究與實踐也就變得自然而然了，”譚平說。

　　6月13日到8月13日，譚平的40幅作品都會在金格空間靜靜詮釋一個藝術家的堅持與勇氣。

　　如果還有什么一定對讀者不可不說的“心事”，譚平說那就是他一直在思考的問題：“畫畫到底是為了什么?”

　　“我覺得它是發自我內心的感覺。我們身上帶的東西太多了，無論是工作環境、學習經歷，從開始畫一直到現在我們都不斷地學了很多東西，其實這些東西可能都是變成束縛我們自由表達的一種累贅。我就是想不斷地通過否定和覆蓋的方式使這些東西逐漸地消解掉，最后能夠成為一個自由表達的人。”他說。